APRESENTAÇÕES - PRESENTATIONS

Edição como processo: The Audiovisual Breakthrough Editing as process: The Audiovisual Breakthrough
Ana Carvalho, Cornelia Lund e Eva-Maria Offermann

A maior parte da literatura relacionada com a produção audiovisual ao vivo, em vez de apresentarem monografias, apresentam coleções de textos por vários autores. Na paisagem composta por estas práticas, enraizadas na colaboração, o desenvolvimento do The Audiovisual Breakthrough confere igual importância tanto ao conteudo como à sua apresentação atrvés das decisões do design e tanta importância aos textos dos seis autores como inclui a voz de muitos dos membros desta comunidade tão vasta quanto fluída.
The Audiovisual Breakthrough, um projeto que combina o trabalho de seis investigadores internacionais na resolução da confusão reinante no contexto da produção artística audiovisual, resulta de um processo editorial com caraterísticas particulares. A apresentação junta aditores e designer na apresentação do processo, conceito e como estes estão expressos no resultado final, o livro com o mesmo nome.

Most literature related to the live audiovisual production, rather than being monographs, present collections of texts by different authors. In the landscape of practices rooted in collaboration, the development of The Audiovisual Breakthrough has given equal importance to content and its appearance through design decisions and as much as it is constituted by the text of the writers also includes the voice of many members of the wide, fluid, community.
The Audiovisual Breakthrough, a book that brings together six international researchers to solve the problem of confusion within the live practices’ definitions within today’s artistic audiovisual production through, is an editorial process with particular features. The presentation will bring together editors and designer in the presentation of the process, concept and how these are expressed in the final result, the book.

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Para onde te projetas, veejaying? Where do you project yourself, veejay?
Hugo Canossa

Estará a figura do ‘veejay’ a caminho do nível de (re)conhecimento dos ‘deejays’? A componente visual parece ter definitivamente conquistado a obrigatoriedade de presença num rider técnico necessário à produção de um verdadeiro espetáculo que proporcione à audiência imersões audiovisuais deslumbrantes.
O outrora ‘veejay’ é agora um “artista visual”, ao qual se associa uma performance visual em tempo real, com elevada responsabilização e impulso criativo, com características que vão da criação à manipulação imagética, para uma audiência, idealmente em sincronização com música, no que sói apelidar-se de “performance audiovisual”. De concertos a discotecas, festivais de música ou em colaboração com outras atividades performativas, o artista conhecido anteriormente como ‘manobrador de vídeos’ (traduzindo ‘deejay’ como ‘manobrador de discos’) saltou do ecrã para o terreno (leia-se “palco” e outras ‘arenas’ passíveis de manifestação artística), com visibilidade mais ou menos assumida, conforme o estatuto e o peso do ‘visual’ na performance “audiovisual”.
As tecnologias ao dispor dos artistas e o constante progresso de hardware e software possibilitaram uma ramificação verdadeiramente frondosa, com linguagens e canais de comunicação variados, que passam pelo “videoscratching”, “videomapping” e, nos tempos atuais, “fulldome”, caracterizadas por narrativas (ainda) lineares. Por outro lado, as novas possibilidades de criação de conteúdos e manipulação desses conteúdos em tempo real desafiam agora a criação de narrativas não lineares, com uma consequente e natural expansão de horizontes e criações de manifestações artísticas, dos quais se destacam ambientes imersivos de artefactos e instalações vídeo, onde o espetador passivo é estimulado a serum utilizador (inter)ativo.

Is the figure of the ‘veejay’ on the path to a similar (re)cognition as the ‘deejay’? The visual component seem to have conquered a unquestionable and obliged presence on the necessary production’s tech rider for a real show that offer astonishing audiovisual immersions to the audience.
Once the ‘veejay’, now a “visual artist”, to whom is associated a realtime visual performance, with high responsibility and creative impulse, features that extend from the creation to imagetic manipulation, for the audience, ideally in synchronization with music, as an “audiovisual performance”. From concerts to clubs, music festivals or in collaboration with other performative activites, the artist formerly known as ‘video mixer’ (translating ‘deejay’ as ‘records mixer’) has jumped from the screen to the field (read “stage” and other ‘arenas’ used for artistic manifestations), with more or less assumed visibility, depending on the importance given to the visual aspect in the audiovisual performance.
The technologies available to the artists and the constant progress of the hardware and software, have made possible a fruitful diversification, with various languages and communication channels, that encompass videoscratching, videomapping, and, nowadays, fulldome, characterized by (still) linear narratives. On the other hand, the new possibilities of content creation and their manipulation in real time presents now a challenge to creating non-linear resulting in a natural expansion of horizons to creation of new artistic expressions, highlighting immersive environments of artifacts and installations where the passive spectator is stimulated into becoming a (inter)active user.

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A Máquina é o Jardim The Machine is the Garden
Diogo Tudela

Partindo da distorção intencional do título do ensaio literário de Leo Marx, "The Machine in the Garden", o projecto apresentado compõe-se de um conjunto de documentos/objectos que orbitam uma série de 10 fotografias conseguidas através da transformação de uma fraga numa câmara obscura.
Localizada nas imediações da aldeia de Vassal, concelho de Valpaços, a rocha instrumentalizada pelo projecto dá corpo a um fenómeno geológico comum no norte da Península Ibérica, baptizado em Trás-os-Montes como "Pedras Furadas", onde, no seu período de formação, as fragas se veem destituídas do seu interior, surgindo à superfície ocas, como carcaças. À rocha em questão adiciona-se a particularidade de apresentar um óculo, um pequeno túnel que une interior e exterior, que a transforma num crânio ciclópico, numa câmara.
Com pequenos ajustes não invasivos, tornou-se possível tornar tal câmara funcional, e recolher imagens respeitando o enquadramento naturalmente imposto. Nesse sentido, o que se sublinha é o acto da constituição e registo da imagem através do reposicionamento técnico de um corpo natural. Trata-se de um arquétipo do fenómeno que transformou o monte Ventoux num miradouro aos olhos de Petrarca, a Terra numa eolípila segundo "A Teoria Sagrada da Terra" de Thomas Burnet e que, eventualmente, transformará o Sol numa Esfera de Dyson.

Starting from the intentional distortion of the title of Leo Marx's literary essay' “The Machine is The Garden”, the presented project is made of a set of documents/objects that orbit a series of 10 photographs obtained through the transformation of a cliff into a camera obscura.
Located in the vicinity of the village of Vassal, in the Valpaços municipality, the rock used by the project gives body to a geologic phenomenon common in the north of the Iberian Peninsula, known as “Pedras Furadas” (“holed rocks”) in Trás-os-Montes, where, during their formation period, the cliffs find themselves devoided of their interior, surfacing hollow, like carcases. The particular rock in question has the particularity of having an eyeglass, a small tunnel that unites interior and exterior, and that transforms the rock into a Cyclopic cranium, a camera.
With small, non invasive, adjustments, it became possible to make such a camera functional, and thus collect images respecting the naturally imposed frame. In that sens, the act of constituting and registering an image through the technical repositioning of a natural body is underlined. In the end, the project is an archetype of the phenomenon which transformed the mount Venoux into a viewpoint to the eyes of Petrarca, the Earth into an aeolipile according to “The sacred theory of Earth” of Thomas Brunet and that, eventually, will transform the sun into a Dyson Sphere.

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O arquivo vivo: Um caso para o som do arquivo e uma artista no arquivo The Living Archive: A Case for Sounding the Archive and an Artist in the Archive
Maile Colbert

O som tem uma relação especial com a emoção, o instinto e a memória, tanto com a individual, como com a histórica. Acionando uma zona ancestral do nosso cérebro, o som informa-nos do sítio onde estamos, se é seguro, e como nos devemos sentir acerca dele. “Baseada na audição, a escuta (de uma perspetiva antropológica) é o próprio sentido de espaço e de tempo...” Roland Barthes (1985) em Listening. Barthes acrescenta, “Os ruídos foram a matéria prima imediata de uma adivinhação, cledonomancia: escutar é uma forma institucional de tentar descobrir o que está a acontecer.” Ou talvez o que aconteceu. Anos atrás, enquanto viajava a propósito de um projeto relacionado com um antigo caminho religioso, interessei-me pela ideia do som no passado. Como teria soado este caminho em diferentes momentos da história? O que daria forma a essa paisagem sonora? Como seria experiencia-la cinematicamente? Quando pensei em todas as implicações deste conceito, senti que poderia ser útil quer em termos criativos como em termos científicos, e a um nível prático e teórico. Comecei a explorar este conceito através de vários projetos artísticos e culturais, na investigação e na escrita, e, especialmente, no design sonoro para trabalhos de vídeo ao vivo, bem como no cinema de uma só projeção.

Sound has a special relationship to emotion, instinct, and memory, both individual and historical. Tapping into an ancient area of our brain, sound provides immediate information telling us where we are, if it’s safe, and how we should feel about it. “Based on hearing, listening (from an anthropological point of view) is the very sense of space and of time..," Roland Barthes (1985) in Listening. Barthes further notes, "[N]oises have been the immediate raw materials of a divination, cledonomancy: to listen is, in an institutional manner, to try to find out what is happening”. Or perhaps, what has happened. Years ago while traveling for a project involving an ancient religious path, I became interested in the concept of sound back in time. What might this path sound like at different stages in history? What would shape that soundscape? How could be experience that cinematically? When considering at length the implications of this concept, I felt it could be useful both on creative and scientific terms, and at a practical and theoretical level. I began to expand upon this in practice with various artistic and cultural projects, and in research and writing, and especially in sound design for live video works, as well as single channel cinema.

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Re-apresentar o efémero Re-Exhibiting the ephemeral
Vera Carmo

A re-apresentação de obras de arte efémeras tornou-se recorrente nas estratégias curadoriais da última década. Desde a reencenação de performances paradigmáticas dos anos 1960 e 1970, até à promoção da itinerância de instalações contemporâneas media-based, têm sido levadas ao público da Arte Contemporânea inúmeras exposições pensadas sob o prefixo “Re”. Paralelamente, vários artistas contemporâneos, entusiastas do uso das novas tecnologias e media digitais, renunciam abertamente à materialidade, em favor da experiência e investem no espaço expositivo como um elemento ativo da obra. As obras de arte já não são, necessariamente, objetos que podem ser transportados e colocados em qualquer lugar mantendo-se iguais a si mesmos. Atualmente, testemunhamos a possibilidade de existirem obras de arte mutáveis.
A re-apresentação de uma obra efémera implica, quase inevitavelmente, a alteração de algumas das suas características originais, ora porque os intervenientes ou componentes primeiros já não se encontram disponíveis, ora porque a obra implica uma adaptação a cada novo espaço ou contexto expositivo. O processo de reapresentação da obra envolve o confronto com conceitos até agora inquestionáveis do universo da criação artística: as ideias de originalidade, autenticidade e integridade. Como expôr tais obras sem as desvirtuar? Eis a grande questão que se coloca durante o processo de exposição de trabalhos efémeros. A presente comunicação pretende desenvolver-se em torno da mesma, espoletando, através do recurso a casos de estudos, uma série de possíveis respostas.

The re-exhibition of ephemeral art became a meaningful trend within curatorial approaches during the last decade. From the reenactment of groundbreaking performances from the 1960s to the 1970s, to the itinerancy of digital media-based contemporary works, viewers have been presented with countless exhibitions operating within the logic of “re”. Also, many contemporary artists, enthusiastic of the use of digital media and new technologies, renounce to materiality, focusing on experience and investing in the exhibition space as an active, rather than a passive environment. Art works are no longer self-contained objects that can be moved to and placed anywhere whyle remaining the same. Ultimately, our times witness the possibility of the existence of ever changing art.
The re-exhibition of ephemeral art envolves changing its original features, wether because the performers or components are no longer present or available, or because the work itself demands some kind of adaptation to the exhibition space/context. The re-exhibition process challenges central concepts when it comes to art recognition and definition, such as originality, authenticity and integrity. How to re-exhibit such works without misrepresenting them?
Here is the question that arises when working with the ephemeral.The following presentation is built around such question, aiming, with the help of case studies, to trigger a series of possible answers.

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O que resta? A crítica da vida digital nos vídeos musical hiper-digitais
What’s left? The critic of digital life in hyper-digital music videos
Holger Lund

Como lidar com a digitalização? Durante os últimos anos, diversos desenvolvimentos estéticos emergiram desse laboratório chamado vídeo musical. Estes desenvolvimentos poderiam ser arquivados na categoria “pós-digital”. Esta categoria encerra duas atitudes em relação aos vídeos: por um lado, existe a tendência para evitar o aspeto digital utilizando o analógico e “retro” ou, por outro lado, no sentido oposto, enfatizando a artificialidade digital, expondo ou afirmando-a pela híper-digitalidade.
Nos últimos dois anos, os vídeos musicais hiper-digitais não só mostraram e louvaram o potencial e o poder do digital – o que também já tinha sido feito antes –, como também tornaram explícito o modo como o digital infeta as nossas vidas, as nossas condições de vida, a nossa identidade (ou o que resta dela), fazendo do digital e dos seus efeitos o próprio tema principal dos vídeos.
Baseando-se em alguns exemplos, a apresentação irá expôr os desenvolvimentos mais recentes, feitos com ferramentas digitais de uma forma ultra-especializada, de modo a colocar em questão o resultado final: o digitalismo. Assim, a crítica ao digitalismo chega-nos de um modo ultra-afirmativo, o hiper-digital, e é essa a novidade deste desenvolvimento, o que permite relacioná-lo a tendências filosóficas como o aceleracionismo.

How to deal with digitalization? Several aesthetic developments have emerged over the past few years in the laboratory called music video. These developments could be filed under the term “post-digital.” On the one hand, the videos show tendencies to avoid the look of the digital by going analog and retro, or, on the other hand, just the opposite, by stressing the fact of digital artificiality, exposing and over-affirming it by being hyper-digital.
In the past two years, hyper-digital music videos have not only shown and praised the potential and power of the digital – which has been done before in music videos as well –, but they have shown how the digital infects our lives, our conditions of living, our identity (or whatever is left of it), making the digital and its effects on our lives the main subject itself.
Alongside some examples the lecture will present these recent developments, made with digital tools in a masterful and ultra-skilled way to question just what comes out: digitalism. So the critic of digitalism comes in an over-affirmative way, the hyper-digital, and that is what is new about this development, connecting it to philosophical tendencies like accelerationism.